Általános

Cím

Schranz-Kunovits Edit: Jermolaj Alekszejevics Lopahin – A kereskedő I. (Anton Pavlovics Csehov: Cseresznyéskert – jelmezterv), vegyes technika; Románia – Erdély, Kolozsvár/Cluj-Napoca, Kolozsvári Állami Magyar Színház, 1973

Leírás

Schranz-Kunovits Edit (1922-1984) díszlet- és jelmeztervező művész Jermolaj Alekszejevics Lopahin – A kereskedő I. című, vegyes technikával készített munkája azon jelmeztervgyűjtemény egy darabja, amelyet a Kolozsvári Állami Magyar Színház Dokumentációs Tára őrzött meg az utókor számára. A terv minden bizonnyal Anton Pavlovics Csehov Cseresznyéskert című zseniális drámájának színielőadásához készült, ami a Kolozsvári Állami Magyar Színházban került bemutatásra Szabó József rendezésében 1973. május 11-én. Jepihodov szerepét Köllő Béla színművész alakította. A színdarab teljes szereposztása a következő volt: Ranyevszkaja – Bisztrai Mária, Ánya – Széles Anna/Toszó Ilona, Várja – Krasznai Paula, Gajev – Horváth Béla, Lopahin – Vadász Zoltán, Trofimov – Héjja Sándor/Nagy Dezső, Piscsik – Bíró Levente, Sarlotta Ivanovna – Vitályos Ildikó, Jepihodov – Köllő Béla, Dunyása – Borbáth Júlia/Szalay Ilona, Firsz – Andrási Márton/Barkó György, Jása – Mihály Pál, Vándorlegény – Tamás Simon, Állomásfőnök – Kozma Lajos, Postamester – Toducz Gyula. A Digitális Örökség Nemzeti Laboratórium Danube-AI programjának keretében a Magyar Nemzeti Levéltár műhelyében digitalizált anyagot az érdeklődők a MaNDA adatbázisban ingyenesen megtekinthetik, tanulmányozhatják, valamint annak metaadatait megismerhetik. "Schranz-Kunovits Edit (1922. október 30 – 1984. június 1.) a Kolozsvári Állami Magyar Színház egyik legjelentősebb díszlet- és jelmeztervezője Krajován született 1922. október 30-án. 1955-ben végzett a kolozsvári Ion Andreescu Képzőművészeti Intézetben. Már az egyetemen elkezdett jelmezeket tervezni, és élete végéig ez maradt a legkedvesebb foglalkozása. 1966-1968-ig, majd 1974-től haláláig (1984. június 1-ig) a kolozsvári magyar színház díszlet- és jelmeztervezője volt. A színház dokumentációs tárában megtalálhatóak jelmezterveinek legszebb példányai. Rajzai egyenként is megkapóan gyönyörű műalkotások. Sajátos alkotói stílusa felismerhető minden ruhatervén, amelyek elkészítésekor a színmű jellegéhez igazodva, azt kihangsúlyozva, többnyire vegyes technikákat alkalmazott. Nemcsak a színre kerülő színmű kora és hangulata ‒ és nyilván a rendezői koncepció ‒ határozta meg az általa kiváló stílusérzékkel megtervezett kosztümöket, de a szereplő egyénisége, jelleme is. Ezen felül az egy-egy előadáshoz készített rajzai technikailag és látványban is egységesek: sokszor azonos kerettel, feljegyzésekkel, színvilággal teremtette meg az ugyanazon előadáshoz tartozó tervek egységességét. A száznál több előadáshoz készült tervei közül kiemelkednek a történelmi korokat idézők. A rendezők (is) bíztak a kiváló stílusérzékében. Ő készített jelmezterveket a Sütő-trilógia darabjaihoz, Molière, Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Pirandello, Csehov műveihez, de A peleskei nótáriushoz, az Özvegy és leányához, a Mi, Bethlen Gáborhoz, A nagyenyedi két fűzfához vagy A kőszívű ember fiaihoz is ‒ a sajtóvisszhang szerint kiválóan. Nyugdíjba vonulása után is folytatta a munkát. Hattyúdala a Harag György által rendezett Csongor és Tünde volt, melynek díszletei és jelmezei is őt dicsérik. 'Személye igényt és mércét jelentett. Jelenlétében szégyen volt a középszerűség apostolaként ágálni. Egyetemes kultúrája riasztotta a provincializmusba süllyedőket, s a színház eredendő hivatásáról megfeledkező kufárok csak lesütött szemmel állhattak meg előtte. Igaz ember és igazi művész volt.' ‒ írta róla Kötő József és Saszet Géza búcsúztatójában (Utunk, 1984. június 15)." (Salat Zakariás Erzsébet: SCHRANZ-KUNOVITS EDIT, DokTárlat 1., 2021. május 26. Online; https://www.huntheater.ro/esemenyek/110/schranz-kunovits-edit/) "Ha azt vizsgáljuk, mi lehet a Cseresznyéskert sikerének és népszerűségének titka, első körben érdemes áttekintenünk, mekkora sikere volt a múltban és van a jelenben is: mennyi adaptációja készült, hány országban és hányszor játszották már világszerte. Láthatjuk, hogy elképesztő népszerű darabról van szó; játszották Amerikától kezdve Európán és Afrikán át Japánig, csak Moszkvában a bemutatót követő közel 50 év során több mint 300 alkalommal játszották. A dramatikus jellegű változatok mellett vígjáték változata is készült, például 2005-ben Tom Donaghy feldolgozásában a New York-i Atlantic Theater-ben. Számos televíziós feldolgozása közül az egyiket a BBC készítette 1981-ben, de 2011-ben is készült új adaptáció, 2018-ban Londonban pedig egy új rádiós változat került adásba. Az 1999-es filmes változata a Thessaloniki Film Festival legjobb film, legjobb rendezés és a legjobb kosztümterv díját is elnyerte. Az 1977-es New York-i színházi változat, amelyben Dunyása szerepét Meryl Streep játszotta, szintén a legjobb kosztüm díját nyerte el a Tony Awards-on. A darab ősbemutatója 1904. január 17-én volt a Moszkvai Művészeti Színházban, Konstantin Sztaniszlavszkij rendezésében. Csehov a darabot egy olyan vígjátéknak szánta, ami némi bohózati elemet is tartalmaz, de Sztaniszlavszkij a művet drámaként kezelte, ez nézeteltéréshez vezetett kettejük között, amely odáig fajult, hogy Sztaniszlavszkij felvetette a lehetőségét annak, hogy Csehov nem érti a saját művét, amit írt, ami (lássuk be) igencsak valószínűtlen. Sokkal valószínűbb, hogy Sztaniszlavszkij volt az, aki nem értette Csehovot. A nézeteltérés gyökere minden bizonnyal a mű kettős természetéből fakad, ez az ellentmondásos jelleg az, ami a későbbi feldolgozási kísérletek során is kihívást jelentett, illetve jelent a mai napig is a művészek számára. A történet Ranyevszkaja földbirtokosnő birtokán játszódik, amelyen a cseresznyéskert is található. A birtok sorsa családi adósság miatt bizonytalanná válik. Ha meg akarjuk válaszolni azt a kérdést, hogy valójában Csehov mit akart kifejezni ezzel a művel, akkor érdemes megvizsgálnunk a történet eredetének feltételezett valós eseményeit. Egyes források szerint az 1880-as, 1890-es években orosz újságok gyakran adtak hírt nemesi birtokok árveréséről, a Cseresznyéskert alapszituációjához hasonlót gyerekkorában maga Csehov is átélt, amikor kereskedő-apja eladósodott. A család barátja megígérte, hogy nem engedi a házukat elárverezni és kifizeti az adósságot, majd olcsón megvette a házat, és a fiatal Csehov továbbra is nála lakott még egy ideig. Arra, hogy a színművet a valóság ezen történései ihlették, bizonyíték ugyan nincsen, de valószínű, hisz Csehov színművei megírásakor gyakran valós eseményeket használt fel. Csehov és Sztaniszlavszkij vitája minden bizonnyal abból adódott, hogy amikor Csehov a Cseresznyéskert megírásába belefogott, akkor a házuk elvesztésének családi drámáján már rég túltette magát, és visszatekintve egyfajta öniróniával szemlélte saját magát és családja egykori reakcióit. Csehov műveiben gyakran foglalkozik az idő múlásának kérdéskörével. E műben ez főként az emlékek nosztalgikus felidézésében jelenik meg: L. Andrejevna: „Gyermekkorom, tisztaságom! Itt aludtam a gyerekszobában, kinéztem a kertre, a boldogság minden reggel együtt ébredt velem, és hajszálra ugyanilyen volt ez a kert, semmit se változott. (Nevet a boldogságtól) Minden, minden fehér! Drága, drága kertem.” A múlt tárgyi emlékeihez (helyekhez, ingatlanokhoz, tárgyakhoz) történő ragaszkodás összefüggésben lehet a változás miatti szorongással. Ez az, amikor a múlt emléktárgyairól az idő múlása jut eszünkbe, ami előrevetíti, hogy a jelennel is egyszer ez történik majd. Ez kapcsolódhat abbéli reményünkhöz, hogy a múltból hátramaradt dolgokhoz történő nosztalgikus ragaszkodással tehetünk valamit az idő múlása (és a dolgok megváltozása, elmúlása) ellen. De ez csak illúzió; a változás elkerülhetetlen. És bár ez így igaz, ebben a kérdésben a jövő lehetőségei gyakran vígaszt jelentenek: Ánya: "Új kertet ültetünk, szebbet, mint a régi volt, majd meglátod és megérted, és csendes, mindent átjáró öröm száll a szívedre, mint az esti napsugár, és újra mosolyogni fogsz." Mindazonáltal a darab népszerűségének titka nem valószínű, hogy a történet időhöz való viszonyával van összefüggésben. Ami sokkal valószínűbb, hogy a történet népszerűségéhez a férfi-női kapcsolatok ábrázolásának csehovi megközelítése mellett a gazdagok „nyomorúságának” realisztikus bemutatása is hozzájárul, ami szemben áll azokkal az általános emberi illúziókkal, mi szerint a gazdagság gondtalan életet eredményez. A közmondást, amely szerint „a pénz nem boldogít”, ma már kutatások is részben alátámasztani látszanak. Az anyagi helyzet javulása a kevésbé jómódúak esetén egy magasabb életszínvonal eléréséig ugyan képes az elégedettség érzés növelésére, viszont egy bizonyos szint felett történő gazdagodás nem jár együtt az elégedettség érzésének arányos növekedésével." (Erdélyi Károly) /in: https://mandadb.hu/cikk/1307808/Csehov_cseresznyeskertjeben/

Kompetencia

Műveltségi terület

Anyanyelvi kommunikáció

Általános

Cím

Vizitkártyák

Leírás

A hívóképen fiatal lány (a kártya hátlapján szereplő kéziratos felirat szerint Szűcs Erzsébet) fényképe. A vizitkártya a Rembrandt fényirdában, Székesfehérvárott készült az 1890-es évek környékén. A székesfehérvári Városi Képtár Deák Gyűjteményének darabja. // A fényképezés feltalálása a technikai haladás mellett az emberi kapcsolatokban is változást hozott. A társasági életbe robbanásszerűen tört be a vizitkártya. Ez a 6,5×10,5 cm méretű fénykép A. A. Disdéri fényképész találmánya /1854/. Olcsón előállítható, kartonlapra ragasztott portré volt ez, amit a tulajdonosa látogatások alkalmával adott át névkártya helyett. Készültek vizitkártyák esernyőt tartva, havas tájban, kalapemelés közben, akárcsak díszes öltözetben vagy egyenruhában, de emellett számtalan ötletes változatban. A fényképeken megörökített alakok bizonyára a legszebb ruhájukban álltak, vagy épp ültek a kamera elé, hiszen sokat nyomott a latba, hogyan nézett ki rajta a leendő tulajdonos, tükrözte-e a társadalmi helyzetét vagy befolyását. Ez a többszörözhető fénykép már üveglemezre készült, annak átvilágítása tette lehetővé a duplikálást. A fotográfiában a vizitkártya fénykora 1852 és 1919 közé tehető, igen gyorsan elterjedt az egész világon, és aki sok vizitkártyára tett szert, annak kiterjedt kapcsolatai lehettek. Bár már létezett névjegykártya is, a vizitkártya sokkal nagyobb népszerűségnek örvendett. Az erre specializálódott fényképészmesterek kis palotákat építettek műtermeiknek, és igyekeztek fényűző bútorokkal, berendezésekkel vonzóvá tenni magukat a gazdag polgároknak. A vizitkártyák hátoldalának (verzójának) reklámhordozó lehetőségét már igen korán felfedezték a fényképészek. A kártyák hátoldalán művészi grafika kíséretében nemcsak műtermük címét, de díjaikat is feltüntették a fotográfusok.

Kompetencia

Műveltségi terület

Esztétikai-művészeti tudatosság és kifejezőképesség

Általános

Cím

Domby Lajos: Csellózó (olajfestmény, 1975)

Leírás

Domby Lajos festőművész Csellózó (1975) című olajfestménye 2011-től a kaposvári Rippl-Rónai Megyei Hatókörű Városi Múzeum Képzőművészeti Gyűjteményében található, jogtulajdonosa az intézmény. Domby Lajos festőművész 1943-ban született Kecskeméten. 1962 és 1967 között a Magyar Képzőművészeti Főiskolán tanult grafikát és festészetet, ahol Fényi Géza volt a mestere. A diploma megszerzését követően egy ideig a fővárosban marad, majd 1971-ben Hódmezővásárra költözik, itt telepedik le. 1975-ben súlyos baleset éri, amely számára az alkotói életpálya végét jelenti. A tragikus eseményről és meghitt kapcsolatukról későbbi felesége, hűséges társa, Dombyné Szántó Melánia (1945-2016) festő- és grafikusművész, költő 2013-ban a következőképp nyilatkozott: „1975-ben az akkor még csak leendő férjem komoly agysérüléssel járó autóbalesetet szenvedett, édesanyja kérésére orvosi javaslatra cselekvőképességet kizáró gondokság alá helyezték. Hiába próbáltuk Pesten élő édesapjával felszabadíttatni, édesanyja akaratát a bíróságok jobban méltatták. Annyit értünk el, hogy a kizáró fokút korlátozó fokúra változtatták. Ekkor tudtunk összeházasodni, 1980-ban. Hiába próbáltunk ki különböző rehabilitációs módszereket, az én nagy tehetséggel magáldott férjem már nem érzett és érez belső késztetést a festéshez.” (in: http://montazsmagazin.hu/dombyne-szanto-melania-verseket-ir-grafikakat-keszit-fest/) Egyéni tárlattal elsőként 1972-ben a hódmezővásárhelyi Tornyai János Múzeumban mutatkozott be. A legrangosabb csoportos kiállításon 1978-ban a budapesti MŰCSARNOKBAN vett részt. "Tájképeit és figurális kompozícióit stilizált formarend és sajátosan élénk színösszetétel jellemezte. Az alföldi festészet dekoratív-lírai irányú továbbfejlesztője. Főként a tájképei jelentősek." (Horváth János) „Domby Lajos festőművész már-már fanatikus elszántsággal igyekszik visszatérni az ősi archetipikus formákhoz, s az elemi színek világához. Képeinek letisztult szín- és formavilága munkáit a szakrális művészet felé közelíti. Nem akar – mivel feltétlen imperatívuszok által cselekszik – nem is tud senkire hasonlítani. Saját benső hangját követve megszállottan alkotja ökologikus műveit, mint egyetlen monumentális freskó vázlatait. Példaképei a leghíresebb ikon- és freskófestők, töretlen vágya, hogy egyszer majd nyomdokaikba léphessen. Képei vertikális sugárzású ősi harmóniát, csendet, békét sugároznak, a formák és a színek összhangzata finom és könnyed zeneiséggé szublimálódik. Nehéz a művészetét, az alkotásait bármelyik stílusirányzathoz láncolni. A Domby Lajos-féle mindenkori érzelmi és értelmi gondolati struktúra megtalálja az egyetlen és egyedi öntőformáját. Valamennyi festménye autonóm entitás, mégis azonnal felfedezhetők rajta: félreismerhetetlenül ’Domby’. Képeit ugyan a megszokottnál mélyebbre hangolja, s talán Van Gogh-hoz hasonlóképp ezzel is a formák szerves egységét őrzi. Nem didaktikus, nem rejtőzködő, nem expresszív, szürrealistának túl realista, realizmusát pedig kétségbe vonja már-már naivnak mondható egyszerűsége. Domby Lajos a festészet ősi forrásaihoz tért vissza. Képei ártatlanul tiszták és mentesek az izmusoktól és a túlhajszolt trópusoktól. Amikor a képeket szemléljük, visszatérünk az ősi tiszta forrásokhoz és ’in illo tempore’ a gyermeki ártatlansághoz.” (kobzosBBL)

Kompetencia

Műveltségi terület

Esztétikai-művészeti tudatosság és kifejezőképesség

Általános

Cím

Vizitkártyák

Leírás

A hívóképen bajuszos úr elegáns polgári viseletben. A vizitkártya Szigeti fényképészeti és festészeti műintézetében, Székesfehérvárott készült. A székesfehérvári Városi Képtár Deák Gyűjteményének darabja. // A fényképezés feltalálása a technikai haladás mellett az emberi kapcsolatokban is változást hozott. A társasági életbe robbanásszerűen tört be a vizitkártya. Ez a 6,5×10,5 cm méretű fénykép A. A. Disdéri fényképész találmánya /1854/. Olcsón előállítható, kartonlapra ragasztott portré volt ez, amit a tulajdonosa látogatások alkalmával adott át névkártya helyett. Készültek vizitkártyák esernyőt tartva, havas tájban, kalapemelés közben, akárcsak díszes öltözetben vagy egyenruhában, de emellett számtalan ötletes változatban. A fényképeken megörökített alakok bizonyára a legszebb ruhájukban álltak, vagy épp ültek a kamera elé, hiszen sokat nyomott a latba, hogyan nézett ki rajta a leendő tulajdonos, tükrözte-e a társadalmi helyzetét vagy befolyását. Ez a többszörözhető fénykép már üveglemezre készült, annak átvilágítása tette lehetővé a duplikálást. A fotográfiában a vizitkártya fénykora 1852 és 1919 közé tehető, igen gyorsan elterjedt az egész világon, és aki sok vizitkártyára tett szert, annak kiterjedt kapcsolatai lehettek. Bár már létezett névjegykártya is, a vizitkártya sokkal nagyobb népszerűségnek örvendett. Az erre specializálódott fényképészmesterek kis palotákat építettek műtermeiknek, és igyekeztek fényűző bútorokkal, berendezésekkel vonzóvá tenni magukat a gazdag polgároknak. A vizitkártyák hátoldalának (verzójának) reklámhordozó lehetőségét már igen korán felfedezték a fényképészek. A kártyák hátoldalán művészi grafika kíséretében nemcsak műtermük címét, de díjaikat is feltüntették a fotográfusok.

Kompetencia

Műveltségi terület

Esztétikai-művészeti tudatosság és kifejezőképesség

Általános

Cím

Ikafalvi Farkas Béla: Életfolyam deltája (aquarell festmény, 2005)

Leírás

Ikafalvi Farkas Béla (1939-2018) festőművész Életfolyam deltája (2005) című aquarell festményét a 70 esztendős jeles alkotó tiszteletére 2009-ben szeptember 4-től szeptember 30-ig a kaposvári Vaszary Képtárban rendezett ’VÍZ. FESTMÉNYEK. VÍZFESTMÉNYEK.’ című kiállításon tekinthették meg a képzőművészetek iránt érdeklődők. A megnyitó alkalmával a széles spektrumú, gazdag horizontú életművet Szita Károly Kaposvár polgármesterének köszöntője után Feledy Balázs művészeti író ajánlotta a jelenlévők figyelmébe. A kiállításhoz katalógus készült, amely a Vaszary Képtár kiadásában jelent meg. (Cím: Ikafalvi Farkas Béla: VÍZ. FESTMÉNYEK. VÍZFESTMÉNYEK.; szöveg: Feledy Balázs, Dr. Géger Melinda, Dr. Pogány Gábor, Dr. Losonci Miklós, Dr. Pandur József, P. Szabó Ernő, Gelléri István, Várnai Ágnes, Kecskeméti Sándor, Ikafalvi Farkas Béla; fordította: Juhász Tamás /angol/; műtárgyfotók: Klencsár Gábor; portréfotó: Lang Róbert; kiadó: Vaszary Képtár – Művészetek Kincsesháza, Simonics Lászlóné, Kaposvár, 2009; ISBN: 978-963-87421-4-8; készült: Mester Nyomda – Budapest) A kiállítás megvalósítását és a katalógus elkészítését Kaposvár Megyei Jogú Város Önkormányzatának Oktatási, Tudományos és Kulturális Bizottsága támogatta. A prezentált festményt is tartalmazó figyelemreméltó, művészeti album kvalitású kiállítási katalógus a MaNDA adatbázisában PDF formátumban digitalizálásra került, amely szabadon hozzáférhető, megtekinthető, tanulmányozható és letölthető. Ikafalvi Farkas Béla festőművész élete tragikus módon kezdődött: 1939. április 29-én látta meg a napvilágot Kaposváron, de édesanyja szülés közben életét vesztette. Az édesanya áldozathozatalának emlékezete aperiodikus traumatikus fel-feltörő életérzésként, olykor önvádként egész élete során végigkíséri, amely műalkotásainak pszichológiai antropológiai analízise folyamán is érzékelhető, felfedezhető. Tanulmányait az Egri Tanárképző Főiskola rajz-földrajz szakán, majd a budapesti Magyar Képzőművészeti Főiskola Rendkívüli Tanárképző Tagozatán végezte. Mestere Jakuba János Munkácsy-díjas festőművész volt. 1960 óta rendszeresen szerepelt megyei, országos és nemzetközi egyéni és csoportos kiállításokon. 1967-től évtizedekig a rajztanítás és a vizuális nevelés Somogy megyei szakfelügyelője, szaktanácsadója volt. Jelentős munkáit őrzik hazai és külföldi köz- és magángyűjteményekben, galériákban: Rippl-Rónai Múzeum, Kaposvár; József Attila Múzeum, Makó; Xantus János Múzeum, Győr; Kálmán Imre Múzeum, Siófok; Liszt Ferenc Múzeum, Sopron; továbbá Németország, Kanada, Lengyelország, Ausztria, Anglia, Franciaország, Hollandia, Szicília, Horvátország, Japán, etc. Székely Bertalan-díjjal (1971), Kaposvár Város Művészeti díjjal (1972, 2003), Középkelet-európai nívódíjjal (1992), Enna város (Szicília) bronz plakettjével (1994), a ’Veszprém-Bakony-Balaton’ Országos pályázat első díjával (1996), a Somogy megyei Önkormányzat különdíjával (2002, 2005), a Cívis Nemzetközi Művésztelep 2005. évi díjával és a Nemzetközi Miniatűr Kiállítás Kaposvár fődíjával (2006) jutalmazták munkásságát. A Magyar Képzőművészek és Iparművészek Szövetsége, a Magyar Alkotóművészek Országos Egyesülete, a Magyar Vízfestők Társasága, a Somogyi Alkotók Egyesülete és a Kapos Art Képző- és Iparművészeti Egyesület tagja volt. „Képei a 60-as évek óta derűs, ugyanakkor változatos képet mutatnak. Utazási élményeit, a táji motívumokat üde impresszionista akvarellekben, valamint stilizált kompozíciókban rögzítette. Figurális témáit dekoratív felületek posztimpresszionista tömörítéseivel oldotta meg. Fonyódra költözésével egyidejűleg meghatározó lesz számára a Balaton világa: a tóparti látomások mind elvonatkoztatottabb irányú feldolgozásai válnak akvarelljeinek fő motívumává. Fokozódó tudatossággal és a vízfestékben rejlő spontaneitás friss kiaknázásával egy konstruktívabb formakészlet kiművelését is folytatja, esetenként a kettőt ötvözi.” (Géger Melinda) „– Sokáig kereste a saját hangját, aztán amikor a nyolcvanas években a Balaton-partra költözött, megtalálta – mondta róla Géger Melinda művészettörténész, a kaposvári Rippl-Rónai Múzeum főmuzeológusa. – Már korábban is kacérkodott a modernekkel, ám a fonyódi műtermében kialakított egy egyedi, montázsos világot: a konstruktivizmust összevonta a tájfestészettel, létrehozva ezzel egyfajta táj-álom festészetet. Mindezt akvarelleken. Dolgozott persze olajjal is, sőt, a nyolcvanas évek közepére szinte elhagyta a vízfestéket és a temperát, ám a Balaton visszatérítette az eredeti útra. Az útjára. – Azért kedvelem, mert akaratos – mondta egy korábbi interjújában. – Nem lehet javítani, s ha az ember elkezd egy képet, be kell fejezni, nem lehet heteket-hónapokat ülni fölötte. Az sem zavarta, hogy a képzőművészet mostohagyerekeinek tartják az akvarellistákat, mondván, temperával és papírral nem lehet maradandót alkotni. Ilyenkor mindig a régi nagyokra hivatkozott: ha Turnernek nem derogált akvarellt festenie, akkor ő miért váltana. S vallotta, finomabban lehet kifejezni vele a hangulatokat, érzéseket, mint olajjal. Elismerései és tárlatai őt igazolták, egy-egy szerencsétlenebb momentum pedig az akvarellek fitymálóit: előfordult, hogy egy kiállításra már az előző nap kocsiba rakták a képeit, aztán a sofőr beállt egy nyirkos garázsba – a tárlat anyaga olyanná vált, mintha hullámpapírra festette volna őket… Ám ez sem tántorította el, s így az elmúlt évtizedek egyik legjelesebb honi akvarellistájának képei ismertek lettek a határokon túl is, művei szerepeltek több lengyel, német, olasz és japán kiállításon, mindenhová elvíve a Balaton fényeit, árnyait, színeit. A nád suhogását, a hullámok csobbanását. Vízfestékbe foglalva a vizet.” (Vas András: Ikafalvi Farkas Béla, az akaratos akvarellek festője – in:https://nepszava.hu/3030399_ikafalvi-farkas-bela-az-akaratos-akvarellek-festoje) „Ady Endre nyomán Ikafalvi Farkas Béláról mondhatjuk el az igazságot, hogy ő elindult a maga patakjáról és elérte a maga nagy vizét. Azt az óceánt, amelyet képein keresztül mutat be. Ikafalvi Farkas képeiről elmondható, hogy ebben a relációban, ezen a formai ösvényen elérte az optimumot. Munkásságában az az érdekes, hogy miközben absztrahálja a világot, rádöbbent mindannyiunkat, hogy az absztrakciónak miben van az értelme: a sűrítésben, a tömörítésben. A festő akvarelljeinek fő erénye ez, hogy az esztétikai hatás a formák tisztasága mellett gondolatokat is ébreszt, gyönyörködtetést kelt és meditációs röptéket ad mindannyiunknak. Művészetének jellemzői a kékbe ágyazott világ, a jó arányokkal kiegyenlített organikus elemek. Az ő ábrázolásának megvan a látványöröme és megvan a belső értelme is. Ez nem más, mint Ikafalvi Farkas Béla egyénisége. Gondolatiságát, intellektuális erejét üdvözlöm művészetében.” (Dr. Losonci Miklós művészettörténész, egyetemi tanár) „Ikafalvi Farkas Béla akvarelljei, amelyeken a jelek és az emberi figurák együttese a természeti motívumokkal társulva kísérlik meg a természeti körforgás mozgatóinak megragadását, amelyek elidegenítő hideg színeivel mintegy a tárgyilagosan vizsgálódó szakember alapállását sugallva veszik szemügyre az élet egészen apró, mégis nélkülözhetetlen egységeit. Hol górcső alá helyezi, hol ’a szép híves patak’ felületén, hol egyenesen a Víz mélyén kialakuló élet részeként szemléli azokat.” (P. Szabó Ernő – művészettörténész, képzőművészeti kritikus, szakíró) „Szokták volt mondani, hogy a hegedű a hangszerek királynője. Teste kicsi és törékeny hangja lehet halk vagy erőteljes, ahogy mestere kívánja, de húrján az egyszer lefogott hang megváltoztathatatlanul lesz-marad hamis vagy tiszta. Megkockáztatom: a festészetben így áll a dolog egy kicsit az akvarellel is. Kisméretű gombról vagy tégelyből vesszük az anyagot, tiszta vízzel hígítjuk, a színeket, felrakjuk halványan vagy erőteljesen. Bírja, ha bő vízben tocsogva úsznak a pigmentek, de kezelhető, ’szárazon’, ahogy a mester éppen akkor, éppen úgy gondolja. Ikafalvi Farkas Béla, háta mögött sok évtizedes munkával, akarással és kínlódással jutott arra a pontra, hogy bátran és biztosan tud jönni-menni az akvarell világának különböző folyosóin, hogy gondolatai kifejezésére mindig megtalálja a mindig legmegfelelőbb stílust és formát. Kellő alázattal közelít az anyaghoz, mindenféle felesleges furfang és csűrés-csavarás nélkül, lendületes és biztos ecsetvonásokkal közli gondolatait. Ikafalvi mester soha nem próbálja megerőszakolni az anyagot vagy eszközeit, valami, még nem volt újdonság okán, így részesei lehetünk a csodának, a laza eleganciával megoldott képi világban. A csodának, hogy a legegyszerűbbnek tartott festési technika a fehér papírról visszavert fényben fürdő festékrészecskék által ennyi szépséggel tudják telíteni akár a kiállítóhelyek, akár otthonunk tereit is.” (Gelléri István – galériavezető) „Ikafalvi Farkas Béla négy évtizedes alkotópályája szép példája annak, hogy egy festő sok váltással, kitekintéssel, megújuló festői magatartással mindig képes újabb értékeket felmutatni. Jakuba Jánosnak, neves főiskolai tanárának útmutatásai meghatározták életútját. Elkerülte a spekulatív, különös izgalmakat ígérő képépítést. A látvány közelében, az emberléptékű világban érezte jól magát. Kompozícióiban az egymásnak feszülő formák, az ívelések, a metsződések, a szimbolikus értelmű képelemek, amelyek atmoszferikus, lágy festőiséggel párosulnak. Ezek utalnak az előzményekre, de ugyanakkor a vizuális jelekkel történő képépítés példáivá is váltak.” (Dr. Pandur József – művészettörténész, festőművész) „Munkái harmóniáik mellett szinte mindig nyugtalanítóak is, de nem erőszakosságuk, erőteljes gesztusosságuk által, hanem meditatív konstrukcióikkal. Képei atmoszférája mindig összetett, bonyolult, mely vonatkozik a művek szerkezetére, titkaikra, utalásaikra... Világa tehát sosem reduktív, eszközrendszere nem puritán, de nem is tobzódó, hanem művészi és technikai értelemben is: gazdag. Formavilága sajátos, egyéni, melynek megvalósítása csak az akvarellben lehetséges. Az ilyen művészt nevezhetjük szakmája, technikája mesterének… A természetből építkezik, de művészetében szinte folyamatosan nagy jelentősége van a négy őselemnek, a víznek, a levegőnek, a földnek és a tűznek. A flóra és a fauna általánosságban erőteljesen hat képi világára, miközben tán két konkrét geográfiai toposz alapvető hatású és determináló: a Balaton világa és az erdélyi hegyek monumentalitása. Az őselemek közül is a művésznél a víz kitüntetett szerepű. Mint a technika alapja is tehát, valamint, mint téma is. ,Vizes’ témái egész piktúráját áthatják. Úgy is, mint az élet forrása, mint a megtisztulás vagy újjászületés. S úgy is, mint éppen balatoni, fonyódi vagy badacsonyi impresszió. S színeiben ugyan változatosak munkái, mégis nem tévedünk talán, ha azt állítjuk: a kék, a kék mindenek felett. Akvarellben is az árnyalatgazdagság, szinte kobaltkék, párizsi kék, ultramarinkék. Lágyan és keményen egyaránt. S ha ennek is keressük jelképi, festészeti jelentését, akkor fontos fellapoznunk Johannes Itten expresszív színelméletét. Milyen plasztikusan is fogalmaz! ’A kék mindig árnyékos és legnagyobb pompájában a sötét felé hajlik. Megfoghatatlan semmi, mégis jelenlévő, akar az átlátszó atmoszféra. Az atmoszférájában a kék a legvilágosabb égszínkéktől az éjszakai ég legsötétebb kékes feketéjéig számtalan formában megmutatkozik. Szellemünket a kék a hit hullámain a szellem végtelenségének távolaiba vonja. Nálunk a hit szimbóluma a kék, a kínaiaknál a halhatatlanság szimbóluma volt.’ E gondolatmenetet koherensnek érezzük a művész színhasználatával. Nála is a kék szellemünket a hit hullámain a szellem végtelenségének távolába vonja. A festő színhasználata egyébként változatos és összetett, hol telítettebb, hol opálosabb tónusok állnak előttünk, melyre az akvarell technika megadja a lehetőséget. Külön is figyelnünk kell arra, hogy akkor, amikor sok tarka, színhalmozó vízfestményt látunk, Ikafalvi Farkas Béla elkerüli e csapdákat, sőt a monokróm árnyalatok szubtilis alkalmazásával is kitűnnek képei. Valamiféle panteisztikus világszemlélettel is találkozhatunk így, melyben a természet ábrázolása egyfajta Istenképet, Szellemképet állít elénk. S így találkozik e műveken – melyre ritka a jó művészeti példa – naturális és spirituális. S ha mindebből még tovább keressük az alkotói, magatartásbeli meghatározókat, akkor ki kell emelnünk a művész kontemplációra való érzékenységét, ami egy olyasfajta elmélkedő attitűdöt jelez, amely az ihletés, ihletettség fogalmaihoz közelit, s másikként – ezzel együtt manifesztálódik egy erős koncentráció, amely a művész összpontosító, tömörítő képességeit hangsúlyozza. Mindezzel szervesül, amikor a tűz jelenítődik meg, tereit betölti a levegősség, s mindezeket öleli át a föld biztonsága. Képei levegőssége, a levegő őselemként való jelenléte tágasságot is biztosít munkáinak, melyeken amúgy sincs sosem bezártság, hanem épp a szabadság élménye a meghatározó. Képein sosincs zárt tér... Sokféle lelki, emberi minőség áll így előttünk, végletekkel, szituációkkal, állapotokkal, melyekben alkalmanként ott az indulat, máskor pedig a nyugalomra, csendre intő meditáció.” (Feledy Balázs – művészeti író) Az őselemek küzdelmét és harmonikus egységét festményein egyaránt létfilozófiai síkon ábrázoló, az archetipikus szimbólumokból gótikus katedrálist építő mester 2018. december 13-án a lakásában keletkezett tűzzel harcolva menekítette szellemi értékeit, amikor a lángok magukkal ragadták az Örökkévalóságba, a Mindenségbe. (kobzosBBL)

Kompetencia

Műveltségi terület

Anyanyelvi kommunikáció